英国国家美术馆·细究名画：色彩（英国国家美术馆经典书系，三大主题构建一部色彩斑斓的美术史） 下载 pdf 百度网盘 epub 免费 2025 电子书 mobi 在线

色彩是绘画作品中的基本构成要素，却常常被人们忽视。人们普遍认为色彩在绘画作品中是理所当然的存在，所以极少去思考色彩是如何产生的，以及画家又是如何利用色彩来表现内心想法的。本书向读者展示了画家对色彩的运用，详细介绍了不用类型的颜料，概述了绘画中主要的光学原理和艺术家关于色彩的经典论著。作者解释了画家选择的媒介剂，如油、水或鸡蛋对色彩的影响，以及新兴颜料的戏剧性冲击。从凡·艾克到修拉，英国国家美术馆收藏的绘画作品生动地说明了这一切。

引言 1

色彩和颜料 17

画家的论著和色彩理论 49

画家对色彩的运用 63

延伸阅读 91

    大卫·邦福德（David Bomford）：曾任英国国家美术馆绘画藏品高级修复师、洛杉矶保罗·盖蒂博物馆文物收藏处副主任、休斯敦美术馆文物保护委员会主席。

    阿肖克·罗伊（Ashok Roy）：曾任英国国家美术馆科学部主任和《国家美术馆技术期刊》编辑。出版了大量关于老一辈大师绘画的材料史及其技术研究的著作，目前继续以独立学者的身份从事这些领域的研究。

    校逸：女，擅长翻译艺术、人文等领域，译著有《可可·香奈儿》。

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有时候，画家会尽力重现他们认为自己眼睛看到的画面，尽管有些景象在现实中可能并不存在。1856年，德拉克罗瓦在他的日记中提到了一位在圣叙尔比斯教堂的喷泉旁攀爬嬉戏的小男孩：“

他笼罩在橘色的光芒中，影子变成了鲜明的紫罗兰色。

”其实，在这则日记中，德拉克罗瓦记录了两个独立的自然现象。个现象是紫罗兰色的影子，这其实是人眼受到橘黄色阳光的直接刺激后产生的一种生理反应。1810年，歌德在他的著作《颜色论》中更加详细地解释了这一生理反应的过程：“

白天，积雪是淡黄色的，所以阴影是偏紫色的。随着被光照的部分从黄色逐渐变成深橘色，紫色的阴影也慢慢变成了蓝色。但是，当太阳快落山时，阳光被厚厚的水蒸气阻挡。全世界都被美丽的红色笼罩着，此时阴影变成了绿色，这种翠绿的颜色就像大海的绿色一样好看。

”后来，这种诱导色理论受到印象派画家的大力追捧——在创造光影效果时经常使用完全互补的颜色。这一作画方式起初并不被大众接受并且饱受嘲笑，但讽刺的是，后来印象派的画作却成了人们争相模仿的对象。（选自P10“对色彩的感知”）

想象一下，如果我们可以仅通过肉眼观察就能判断一幅画的色彩组成，那就太棒了！可惜，在现实情况中这简直有点异想天开。也许在接受专业培训后，我们可以提出有一定依据的猜测，但仅凭视觉评估就得出的结论依然被认为是不可靠的。众所周知，在一幅作品中，表层清漆的变色也会使清漆下层的颜色发生改变。对部分颜色来说，尤其是白色、淡蓝色和中等浓度的蓝色，这种影响更加严重。另外，还有一些其他颜色，会随着表层清漆的变化而变色、变暗，甚至直接褪色。当然，在油画中有些颜料也会因为与其他涂层的颜料发生意外混合而导致本来的色彩被掩盖了。虽然，有众多因素影响肉眼观察得出的结果，但通过显微镜和化学分析等科学方法，加上人们对颜料使用历史和已知特性的长期研究，目前确实已经可以对一幅作品提供明确且详细的分析和鉴定。在此基础上，

未来的鉴定技术

发展趋势是可以对绘画作品表层进行“非侵入性”研究和分析（即不需要提供画作的实际样品）。有时候，我们利用这些现代化分析技术方法得出的鉴定结果往往令人大吃一惊。比如，用显微镜仔细观察凡·戴克的《一名妇女和儿童的肖像画》时，我们发现画面中儿童身上漂亮的蓝紫色连衣裙区域只有红色色淀、炭黑以及白色的颜料，根本找不到任何蓝色色素的踪迹。（选自P47“颜料的鉴定”）

画面中因为太过吃惊而失手打翻高脚杯的女人穿着鲜艳的红色天鹅绒连衣裙。伦勃朗在这件织物的阴影处使用了红色色淀，并且在高光处使用朱红色，以及朱红色和铅锡黄的混合物。另外，为了表现衣服上被高脚杯中液体溅湿的部分，伦勃朗通过在黑亮涂层的上方加涂一层半透明红色颜料的方式形成一层深紫色涂层作为深色阴影。坐在画面左侧的女人身着紫黑色长裙，在这里，画家也使用了类似的

着色技巧

，即薄涂一层红色色淀来稍微改变黑色涂层的色调，就像桌上那串黑葡萄一样（见图77）。与此同时，伯沙撒王的披肩投射在他身体右侧的阴影呈紫红色，这是一种同样含有红色色淀的中间色。（选自P81“色彩画家伦勃朗”）

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人类历史中有很多色彩丰盈、令人赞叹不已的艺术作品。它们的表现形式有很多，不仅包括绘画，还有壁画、壁毯、建筑中的彩绘装饰、彩色雕塑、珐琅，以及各种精美绝伦的手工艺品。在中世纪和文艺复兴时期，人们尤其喜欢用这些多彩的艺术品来装饰奢华的教堂和宫殿。然而随着时间的流逝，现在无论是在宗教还是非宗教的建筑中，我们都已经很少能够捕捉到这种艺术家对色彩的狂热，也无法重现当年的艺术巅峰。但是，通过对这些作品的重新审视和解读，也许我们仍然可以顺着其中的蛛丝马迹来揭秘几个世纪以来艺术作品中色彩的发展。当然，在漫长的岁月中，很多绘画作品都已经损毁、流失或者出于某种原因发生了改变，但我们依然可以通过现存的那些优秀作品看到不同时期不同颜料的兴起及使用情况，也可以看到历史上的色彩理论和实践的兴衰起伏，更可以看到长久以来艺术家们对作品的不断创新和对艺术孜孜不倦的追求。本书中，英国国家美术馆以时间为轴收录了一系列绘画作品，细致地讲述了从中世纪末期由琴尼诺·琴尼尼（请参考第51页）提出的色彩体系到乔治·修拉总结的色彩理论。我们即将踏上一段有趣的艺术旅程。在这段旅程中，我们将看到画家们以高超的绘画技巧和对色彩的灵活运用向世人展示了他们的内心和身处的现实世界，有时还赋予了作品深刻的意义。（见图1）

现代审美提倡不对艺术设立严格限制，人们更倾向于在绘画中追求充满自由的笔触。但对于从古至今的大多数画家而言，他们更习惯通过精心勾勒轮廓和填充色彩来寻求作品本身与外部世界的相以。在这一创作过程中，他们已经逐渐自成一派，擅长利用不同深浅的颜色来描绘物体的形状和纹理。以荷尔拜因的《大使们》（见图2）为例，画面上，让·德·丁特维尔（Jean de Dinteville）的红色绸缎衣袖极其逼真。画家细致地勾勒了袖子的轮廓，并在填色时使用了与真实面料颜色一致的暗红色，此外，画家还非常巧妙地结合了阴影、光影、高光和大面积的银灰色来表现这块充满质感的奢华光面布料。写实画的画家们一直致力于通过对光线、阴影、色调和纹理的细致观察，用不同颜色的图案在画布上重新构建他门眼中的世界，荷尔拜因就是其中的佼佼者。

纵观历史，我们不难发现，画家调色板上的色彩往往受到以下几个因素的影响：颜料是否可用，艺术或宗教中的惯用颜色，以及个人风格等。色彩，与题材、风格和构图一样，足以让我们辨别出某一幅作品的创作时期、地点，甚至其创作者。20世纪，艺术的抽象化运动兴起，在材料和题材的选择上出现了前所未有的自由，画家们才得以不受具象艺术对色彩的束缚。

虽然存在一定的地域差别，但总体来说，几个世纪以来，欧洲画家调色板上的色彩总是寥寥无几。威尼斯是一个特例，它作为染料、纺织品和玻璃制造业的贸易中心，在颜料进口领域拥有得天独厚的优势。正因为如此，威尼斯的绘画作品一直以明亮多彩的颜色而闻名（请参考第73页）。

在有限的颜色选择中，艺术家们已经学会根据自己的艺术创作需求而调制特定的颜色。通过对比两幅让-巴蒂斯-卡米耶·柯罗的风景画一分别描绘了意大利和法国的风景，我们不难看出与那些居住在意大利的画家相比，常驻北欧的画家更倾向于使用较为柔和的颜色，就像北欧灰蒙蒙的天空一样（见图3和图4）。当然，如果资助人或委托人对作品有特殊要求，画家们会为了保证使用最好的颜料而额外收取一些费用，或者就像杜乔在绘制《基督君王像》（Maesta）时一样，直接使用由资助人提供的颜料（见图5）。

有时，画家可以精确地调配出他们看到的颜色，或者使用相同或相似的材料作画。比如，在风景画中，画家可以直接使用自然界中真实存在的红色、棕色和黄色泥土着色。不过，在大多数情况下，画家还是习惯将多种常用颜色混合后使用，用这种方法调配出来的颜色后来逐渐演变成描绘某一特定对象时的惯用颜色。比如，将红色和白色混合后可以得到欧洲人的肤色，将人造绿色、蓝色和黄色混合后就可以得到树叶的颜色，而将蓝色和白色混合后就变成了天空的淡蓝色。

在创作中，画家们为了让作品显得更加逼真，遇到并克服了很多难以想象的困难。经过一代代人的努力，他...

跳出生理和心理的角度，色彩可能是画家表达情感最直接的方式。它是画家的情绪表达，或者是画家希望引起共鸣的情感的表现方式。色彩影响了我对绘画作品的直观感受，就像它在我门的日常生活的作用一样。或许，文森特·凡·高就通过他的作品清晰地向人们展现了他是如何利用颜色和形状来表达内心世界的混乱无序的。在完成《夜间咖啡馆》（The NightC，现收藏于耶鲁大学美术馆）的创作后，凡·高在给弟弟的信中写道：“我想通过红色和绿色来表现人们内心深处可怕的激情。咖啡馆内充斥着血红色和暗黄色，正中间放着一张绿色的台球桌，人们的头顶上吊着四盏橘黄色的灯，发出微弱的橙绿色的光。在整幅画中，随处可见红色和绿色强烈而生动的颜色碰撞……”在凡·高的另一幅作品《凡·高的椅子》（见图12）中，他也刻意地将对比色（请参考第57页）放在一起，但与《夜间咖啡馆》相比，这幅画的色调显得更加柔和。凡·高将画面中心的黄色椅子用蓝绿色勾勒轮廓，这不仅与墙壁颜色相呼应，还与暗橘红色的地砖形成对比，建立起微妙的视觉平衡。凡·高的艺术创作灵感源自想象，对此，他毫不掩饰，他认为只依靠绘画材料本身是无法准确表达他的内心感受的。他曾经说：“…画家最好从调色板上现有的颜色开始创作，而不是重现自然界的颜色。”

现在，尤其在现代绘画艺术中，人们普遍接受了色彩可以用来承载和传递情感的观点。但是，从绘画诞生之初，色彩就被赋予了丰富的象征意义，而不仅仅只是一种描绘或者表达情感的方式。在宗教题材的绘画中，色彩的象征意义更是不胜枚举。……

在接下来的几章中，我们将介绍一些颜料的原材料，以及画家是如何将不同的颜料和媒介剂混合在起使用，有时甚至使用叠涂法，来达到特定的着色效果的。

绘画材料包含两种基本元素：颜料和充当黏合剂的媒介剂。此外，画家还会在颜料中加人液体稀释剂，以增强颜料的流动性，便于上色。随着时间的流逝，颜料中的稀释剂逐渐挥发，黏合媒介剂通过自身的物理变化或者与其他物质的化学反应硬化成膜。水彩颜料和现代合成树脂颜料的干燥过程是简单的物理挥发，亚麻籽油、胡桃油以及罂粟油则因为与空气中的氧发生化学反应而使颜料变干变硬。14世纪和15世纪非常流行的蛋彩画，其干燥过程更加复杂。蛋彩画的颜料中混入了整颗鸡蛋或蛋黄部分，它同时包括前面提到的物理挥发和化学干燥两种过程。

编辑推荐

★ 色彩的魅力何止于此！没有色彩，凡高表示也无能为力。

对于色彩，仅仅再现眼睛所能看到的已经不够了，让凡·高来告诉你，他为何执着地想“通过红色和绿色来表现人们内心深处可怕的激情”。

★ 一段颜料的进化历史，便是一段人眼和科技的进化史。

长期以来，材料都是画家表现画作重要的载体，透过残损的古老画作，作者利用目前先进的科学技术，层层深入分析画作消失的本来色彩。正是画家们一次次探索颜料与媒介剂的使用方法，使画作的寿命一次次被延长，才有了我们今天的“眼福”。

★ 都说画家的眼睛捕捉到常人看不见的色彩，是观看角度问题？凭空捏造？还是因为他们自带滤镜？通过莫奈的干草堆，我好像明白了。

这本书给我们麻木的“观看”习惯进行了一次彻底的洗礼，用眼睛观察和用心感受有了实质上的区别，就像我们很难理解德拉克罗瓦看到的影子为何是“鲜明的紫罗兰色”。

★ 本书不仅赏析画作，“色彩”作为一门专门的学问在此讨论，论点全面，语言精炼，让我们一览大胆而前卫的画家们是如何一步步突破，后达到对色彩的极致追求。

如宗教观念是如何影响绘画题材和对象的、地域和时代问题如何影响颜料开采的难易程度、干燥时间和周边环境是如何影响画作品质的，等等。

★ 本书的插图质感细腻，从整体的褪色情况到局部的裂纹质感完美呈现，帮我们自带放大镜，还原博物馆级别的名画细节。

前言

人类历史中有很多色彩丰盈、令人赞叹不已的艺术作品。它们的表现形式有很多，不仅包括绘画，还有壁画、壁毯、建筑中的彩绘装饰、彩色雕塑、珐琅，以及各种精美绝伦的手工艺品。

在中世纪和文艺复兴时期，人们尤其喜欢用这些多彩的艺术品来装饰奢华的教堂和宫殿。然而随着时间的流逝，现在无论是在宗教还是非宗教的建筑中，我们都已经很少能够捕捉到这种艺术家对色彩的狂热，也无法重现当年的艺术。但是，通过对这些作品的重新审视和解读，也许我们仍然可以顺着其中的蛛丝马迹来揭秘几个世纪以来艺术作品中色彩的发展。

当然，在漫长的岁月中，很多绘画作品都已经损毁、流失或者出于某种原因发生了改变，但我们依然可以通过现存的那些优秀作品看到不同时期不同颜料的兴起及使用情况，也可以看到历史上的色彩理论和实践的兴衰起伏，更可以看到长久以来艺术家们对作品的不断创新和对艺术孜孜不倦的追求。

本书中，英国国家美术馆以时间为轴收录了一系列绘画作品，细致地讲述了从中世纪末期由琴尼诺·琴尼尼提出的色彩体系到乔治·修拉总结的色彩理论。我们即将踏上一段有趣的艺术旅程。在这段旅程中，我们将看到画家们以高超的绘画技巧和对色彩的灵活运用向世人展示了他们的内心和身处的现实世界，有时还赋予了作品深刻的意义。

书籍介绍

一本开启色彩感知的魅力手册：

“色彩是绘画中真正的炼金术，它拥有改变一切的魔力”

英国国家美术馆经典书系

三大主题构建一部色彩斑斓的美术史

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色彩是绘画作品中的基本构成要素，却常常被人们忽视。人们普遍认为色彩在绘画作品中是理所当然的存在，所以极少去思考色彩是如何产生的，以及画家又是如何利用色彩来表现内心想法的。本书向读者展示了画家对色彩的运用，详细介绍了不用类型的颜料，概述了绘画中主要的光学原理和艺术家关于色彩的经典论著。作者解释了画家选择的媒介剂，如油、水或鸡蛋对色彩的影响，以及新兴颜料的戏剧性冲击。从凡·艾克到修拉，英国国家美术馆收藏的绘画作品生动地说明了这一切。

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◎ 本书看点

▶ 色彩的魅力何止于此！没有色彩，凡高表示也无能为力。

对于色彩，仅仅再现眼睛所能看到的已经不够了，让凡·高来告诉你，他为何执着地想“通过红色和绿色来表现人们内心深处可怕的激情”。

▶ 一段颜料的进化历史，便是一段人眼和科技的进化史。

长期以来，材料都是画家表现画作最重要的载体，透过残损的古老画作，作者利用目前先进的科学技术，层层深入分析画作消失的本来色彩。正是画家们一次次探索颜料与媒介剂的使用方法，使画作的寿命一次次被延长，才有了我们今天的“眼福”。

▶ 都说画家的眼睛捕捉到常人看不见的色彩，是观看角度问题？凭空捏造？还是因为他们自带滤镜？通过莫奈的干草堆，我好像明白了。

这本书给我们麻木的“观看”习惯进行了一次彻底的洗礼，用眼睛观察和用心感受有了实质上的区别，就像我们很难理解德拉克罗瓦看到的影子为何是“鲜明的紫罗兰色”。

▶ 本书不仅赏析画作，“色彩”作为一门专门的学问在此讨论，论点全面，语言精炼，让我们一览大胆而前卫的画家们是如何一步步突破，最后达到对色彩的极致追求。

如宗教观念是如何影响绘画题材和对象的、地域和时代问题如何影响颜料开采的难易程度、干燥时间和周边环境是如何影响画作品质的，等等。

▶ 本书的插图质感细腻，从整体的褪色情况到局部的裂纹质感完美呈现，帮我们自带放大镜，还原博物馆级别的名画细节。